Тридцатый первый том коллекции посвящён великому композитору, гениальному пианисту и дирижёру Сергею Васильевичу Рахманинову (1873-1943). Как сказал сам Рахманинов: «Я русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды». Все важнейшие события русской общественной и художественной жизни отразились в его творческой судьбе, оставив неизгладимый след. Присущее Рахманинову остро-лирическое ощущение эпохи неизменно связывалось у него с образом горячо любимой Родины, с беспредельностью её широких далей, мощью и нежностью её природы.
     Дарование Рахманинова проявилось рано и ярко. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера «Алеко». Последовавшие за ними Пьесы-фантазии, Сюита для двух фортепиано, «Музыкальные моменты», романсы - подтвердили мнение о Рахманинове как о таланте сильном, глубоком, самобытном. Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют. Только в начале 1900-х годов у Рахманинова произошло возвращение к творчеству. Новый век начался с блистательного Второго фортепианного концерта. Современники услышали в нём голос Времени с его напряженностью, взрывчатостью, ощущением грядущих перемен. В жизни Рахманинова наступает новый этап. Всеобщее признание в России и за рубежом получает пианистическая и дирижёрская деятельность Рахманинова, в 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт. В конце 1917 года Рахманинов с семьёй покинул Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса. Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя». Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, «Симфонические танцы». Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в «Симфонических танцах». Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

     Тридцатый том является самым необычным в коллекции. Имена, представленные в нём композиторов, наверняка знакомы большинству любителей классической музыки, но вряд ли это же можно сказать и про их творчество. Тем интереснее будет познакомиться с целой плеядой замечательных композиторов, представляющих в истории музыкального искусства пышную и яркую эпоху итальянского барокко.
     Италия - страна с высочайшими музыкальными традициями, и неудивительно, что именно там, в XVI-XVII веках зародился новый «свободный» стиль, требующий большей эмоциональности, виртуозности музыкантов, более сложной и свободной вокально-инструментальной полифонии, выразительности, импровизации и использования изысканных музыкальных украшений, стиль, несущий в себе сам дух итальянского искусства - барокко. Главный инструмент эпохи - скрипка, а одной из основных барочных музыкальных форм стала опера. В творчестве композиторов неаполитанской оперной школы преобладала опера-сериа (от ит. seria - серьёзная), обычно на мифологический сюжет. Ещё существовала опера-буффа (от ит. buffa - комическая) - с весёлым бытовым сюжетом. Большую популярность приобрели сонаты. В эпоху барокко сонаты делились на два вида: камерную сонату (sonata da camera), состоявшую из прелюдий и танцев, и сонату церковную (sonata da chiesa). Также к характерным барочным жанрам можно отнести оратории, кантаты, партиты, хоральные прелюдии, мессы. Весьма распространен в эпоху барокко становится жанр кончерто гроссо (от ит. сoncerto grosso - большой концерт) - оркестровое произведение, написанное в форме старинной сюиты, в котором группа солирующих инструментов (concertino) «соревнуется» со всей массой оркестра (tutti).
     На сoncerto grosso Вас приглашают: Арканджело Корелли (1653-1713), который по праву считается основателем художественной игры на скрипке, Алессандро Скарлатти (1660-1725), один из главных оперных композиторов барокко и основатель Неаполитанской оперной школы, Джузеппе Тартини (1692-1770), который по мнению Давида Ойстраха, «принадлежит к числу корифеев итальянской скрипичной школы XVII века, искусство которых сохраняет свое художественное значение и по сей день», Пьетро Локателли (1695-1764), скрипач-виртуоз, композитор и педагог, Бальдассаре Галуппи (1706-1785) - ещё один мастер итальянской оперы, в особенности комической оперы-буфф, Джованни Баттиста Перголези (1710-1736) - крупнейший представитель Неаполитанской оперной школы и создатель жанра оперы-буфф.

     Двадцать девятый том коллекции посвящён немецкому композитору Иоганнесу Брамсу (1833-1897). Вступив в музыкальную жизнь как преемник Р. Шумана в романтизме, И. Брамс шёл по пути широкого и индивидуального претворения традиций разных эпох немецко-австрийской музыки и немецкой культуры в целом. В период развития новых жанров программной и театральной музыки (у Ф. Листа, Р. Вагнера) Брамс, обращавшийся в основном к классическим инструментальным формам и жанрам, как бы доказал их жизнеспособность и перспективность, обогатив их мастерством и мироощущением современного художника. Не менее значительны и вокальные сочинения (сольные, ансамблевые, хоровые), в которых особенно ощущается диапазон охвата традиции - от опыта мастеров эпохи Возрождения до современной бытовой музыки и романтической лирики. В своей музыке Брамс создал правдивую и сложную картину жизни человеческого духа - бурного во внезапных порывах, стойкого и мужественного во внутреннем преодолении препятствий, веселого и жизнерадостного, элегически мягкого и порой усталого, мудрого и строгого, нежного и душевно отзывчивого. Тяга к опоре на устойчивые и вечные ценности человеческой жизни, которые Брамс видел в природе, народной песне, в искусстве великих мастеров прошлого, в культурной традиции своей родины, в простых людских радостях, постоянно сочетается в его музыке с ощущением недостижимости гармонии, нарастающих трагических противоречий.
     Творчество композитора охватывало почти все основные музыкальные жанры (кроме оперы). Многие искусствоведы признают самым выдающимся произведением Брамса его величественный «Немецкий реквием». Но особенную славу доставили Брамсу его симфонии. 4 симфонии Брамса отражают разные аспекты его мироощущения. В Первой - прямой наследнице бетховенского симфонизма - острота сразу же вспыхивающих драматических коллизий разрешается в радостном гимническом финале. Вторую симфонию, истинно венскую, можно было бы назвать «симфонией радости». Третья (её можно послушать в аудиоприложении) - самая романтичная из всего цикла - проходит путь от восторженного упоения жизнью к мрачной тревоге и драматизму, внезапно отступающим перед вечной красотой природы, светлого и ясного утра. Четвёртая симфония - венец брамсовского симфонизма - развивается, по определению И. Соллертинского, «от элегии к трагедии».

     Двадцать восьмой том коллекции посвящён французскому композитору Клоду Дебюсси (1862-1918), которого называют отцом музыки XX века. В музыкальной культуре Франции конца XIX - начала XX века трудно найти композитора, оказавшего столь существенное влияние на формирование нового стиля, как Дебюсси. Он показал, что каждый звук, аккорд, тональность могут быть услышаны по-новому, могут жить более свободной, многокрасочной жизнью, как бы наслаждаться самим своим звучанием, его постепенным, таинственным растворением в тишине. Многое роднит Дебюсси с живописным импрессионизмом: самодовлеющая красочность неуловимых, текуче-подвижных моментов, любовь к пейзажу, воздушная трепетность пространства. Не случайно Дебюсси считается основным представителем импрессионизма в музыке. Дебюсси считал, что музыка подобна природе своей естественностью, бесконечной изменчивостью и многоликостью форм: «Музыка - как раз то искусство, которое ближе всего к природе... Только музыканты обладают преимуществом уловить всю поэзию ночи и дня, земли и неба, воссоздать их атмосферу и ритмически передать их необъятную пульсацию». И природа, и музыка ощущаются Дебюсси как тайна, и прежде всего тайна рождения, неожиданного, неповторимого оформления капризной игры случая. Поэтому понятно скептически-ироничное отношение композитора ко всякого рода теоретическим штампам и ярлыкам в отношении художественного творчества, невольно схематизирующим живую действительность искусства.
     В аудиоприложение включены лучшие произведения композитора: сюита «Детский углок», в которой мир детства раскрывается через понятные любому ребёнку образы - строгого учителя, игрушечного слона, пастушка, куклы; созданные в связи с «особыми ощущениями света» «Ноктюрны», навеянный поэзией Верлена фортепианный цикл «Бергамасская сюита»; симфоническая прелюдия «Послеполуденный отдых фавна», которую Морис Равель назвал «совершеннейшим творением».

     Двадцать седьмой том коллекции посвящён русскому композитору, пианисту и педагогу Александру Николаевичу Скрябину (1872-1915), который являлся крупнейшей музыкальной фигурой «Серебряного века». Творчество Скрябина оказалось созвучным сложной и бурной эпохе рубежа двух столетий. Скрябин вошёл в русскую музыку в конце 1890-х годов и сразу заявил о себе как исключительная, ярко одарённая личность. Смелый новатор, «гениальный искатель новых путей», по словам Н. Мясковского, «при помощи совершенно нового, небывалого языка он открывает пред нами такие необычайные, эмоциональные перспективы, такие высоты духовного просветления, что вырастает в наших глазах до явления всемирной значительности».
     Новаторство Скрябина проявило себя и в области мелодики, гармонии, оркестровки, и в специфической трактовке цикла, и в оригинальности замыслов и идей, смыкавшихся в значительной мере с романтической эстетикой и поэтикой русского символизма. Искусство символизма было последним из великих концептов романтической эпохи. В европейском символизме романтизм во многом вернулся к своему первоначальному истоку - утверждению «Я» художника как единственного источника художественного выражения. Движение «вглубь души» вело композитора к идеям, которых еще не знала европейская музыка - в частности идее чистого самосозерцания. Музыка Скрябина очень своеобразна. В ней отчётливо чувствуется нервность, импульсивность, тревожные поиски, не чуждые мистицизма. Увлечение Скрябина идеями восточной философии, которые были адаптированы Блаватской, Штайнером и другими мистиками конца XIX - начала XX столетия, заставило его круто пересмотреть и саму цель музыкального творчества. Скрябин пытался на практике воплотить идею синкретического искусства, в котором соединены материя, разум, мировой дух, свет и цвет, запах, эмоции. Композитора привлекали образы, связанные с огнём: в названиях его сочинений нередко упоминается огонь, пламя, свет и т. п. Это связано с его поисками возможностей объединения звука и света. Например, в партитуру симфонической поэмы «Прометей» Скрябин включил партию световой клавиатуры, таким образом, став первым в истории композитором, использовавшим цветомузыку. Несмотря на короткий по времени творческий путь, композитором создано множество произведений в жанрах симфонической и фортепианной музыки. Им написаны 3 симфонии, «Поэма экстаза», поэма «Прометей» для оркестра, Концерт для фортепиано с оркестром; 10 сонат, поэмы, прелюдии, этюды и другие сочинения для фортепиано.

     Двадцать шестой том коллекции посвящён Шарлю-Камилю Сен-Сансу (1835-1921), который вошёл в историю прежде всего как композитор, пианист, педагог и дирижёр. Однако подобными гранями далеко не исчерпывается талант этой поистине универсально одарённой личности. Сен-Санс был также автором книг по философии, литературе, живописи, театру, сочинял стихи и пьесы, писал критические эссе, хорошо рисовал и даже был избран членом Французского астрономического общества.
     Яркое музыкальное дарование композитора проявилось в столь раннем детстве, что составило ему славу «второго Моцарта». С трех лет будущий композитор уже обучался игре на фортепиано, в 5 - начал сочинять музыку, а с десяти выступал как концертирующий пианист. К моменту окончания консерватории Сен-Санс был уже зрелым музыкантом, автором многих сочинений. Его искусство органной импровизации очень быстро снискало всеобщее признание в Европе. На протяжении всего творческого пути композитор особенно плодотворно работал в области инструментальных жанров, отводя первое место виртуозным концертным произведениям. Широкую известность приобрели такие сочинения Сен-Санса, как представленные в аудиоприложении Интродукция и рондо каприччиозо для скрипки с оркестром, Концерт для виолончели с оркестром и Симфония № 3 до минор (с органом). Эти и другие произведения (программные симфонические поэмы, 5 фортепианных концертов, 12 опер) выдвинули Сен-Санса в ряд крупнейших французских композиторов. Искусству Сен-Санса свойственны образы светлой лирики, созерцательности, но, кроме того, и благородная патетика, и настроения радости. Интеллектуальное, логическое начало нередко в его музыке преобладает над эмоциональным. Пожалуй, никто из французских композиторов не мыслил столь ясно и с искренней простотой, выражающейся в строгости форм, лаконичности мелодий и отточенности пронизывающего его музыку «живого ритма». Как заметил Жан Шантавуан: «…Если французская музыка - эхо французского духа - имела более глубоких и более оригинальных мыслителей, чем Сен-Санс, то она никогда не имела композиторов с большей чистотой письма». Своими лучшими произведениями Сен-Санс вписал одну из ярких страниц в историю мировой музыкальной культуры.

     Двадцать пятый том коллекции посвящён выдающемуся представителю венгерского музыкального искусства Ференцу Листу (1811-1886), композиторское творчество которого неотделимо от всех других форм разнообразной и интенсивнейшей деятельности этого подлинного энтузиаста в искусстве. Пианист и дирижёр, музыкальный критик и неутомимый общественный деятель, он был по словам А. Бородина «жаден и чуток ко всему новому, свежему, жизненному; враг всего условного, ходячего, рутинного». Лист всегда с исключительной чуткостью улавливал и поддерживал новое и самобытное в искусстве, способствуя развитию музыки национальных европейских школ (чешской, норвежской, испанской и других), особенно выделяя русскую музыку - творчество М. Глинки, А. Даргомыжского, композиторов Могучей кучки, исполнительское искусство А. и Н. Рубинштейнов. В течение многих лет Лист пропагандировал творчество Вагнера. Лист вошёл в историю музыки как смелый новатор в области музыкальной формы, гармонии, он обогатил новыми красками звучание фортепиано и симфонического оркестра, дал интересные образцы решения ораториальных жанров, романтической песни, органных произведений. Восприняв многое от культурных традиций Франции и Германии, являясь национальным классиком венгерской музыки, он оказал огромное влияние на развитие музыкальной культуры всей Европы.
     Лист по праву считается величайшим пианистом XIX века. До сих пор его виртуозность остаётся ориентиром для современных пианистов, а произведения - вершинами фортепианной виртуозности. Именно в фортепианной музыке Листа впервые оформились его художественные идеи, направляемые мыслью о необходимости активного духовного воздействия на людей. Стремление к утверждению воспитательной миссии искусства, к соединению для этого всех его видов, к возвышению музыки до уровня философии и литературы, к синтезу в ней глубины философско-поэтического содержания с живописностью воплотилось в листовской идее программности в музыке. Он определял её как «обновление музыки путем её внутренней связи с поэзией, как освобождение художественного содержания от схематизма», приводящее к созданию новых жанров и форм. Творчество Листа насчитывает 647 сочинений, из которых 63 для оркестра и около 300 переложений для фортепиано. С избранными фортепианными сочинениями композитора, среди которых особенно выделяются бессмертные «Грёзы любви», позволяет познакомиться аудиоприложение.

     Двадцать четвёртый том коллекции посвящён одному из величайших оперных композиторов в истории музыки Джакомо Пуччини (1858-1924), считающимся продолжателем традиций Верди в итальянском музыкальном театре. Вместе с тем его художественный мир отличается от мира Верди, будучи сформированным в другой исторический период. Творческий облик Пуччини формировался в эпоху, когда в итальянском музыкальном театре утверждалось новое направление - веризм. Подобно веристам, Пуччини обращается к воплощению в опере обыденной жизни со свойственными ей острыми конфликтами, но его произведения, наполненные тонкой поэзией и глубоким психологизмом, значительно выше типичных образцов веристской оперы с её предельной концентрацией действия и подчёркнуто экспрессивным музыкальным выражением. Музыка Пуччини передаёт самую суть итальянской души, чувственной и страстной в выражении горя и радости, жаждущей излиться в мелодичном пении, так, как это было у великих оперных композиторов-итальянцев XIX века, то есть естественно и непосредственно. Именно благодаря мелодизму и достижениям в вокальной области Пуччини намного опережает других своих современников. Как написано на мемориальной доске на доме в тосканском городе Лукка, где родился Пуччини: "Он создал легко запоминающиеся мелодии, обогатив их новыми голосами жизни. Как прославленный мастер, он - через стилистически совершенные и гибкие формы - вновь утвердил во всём мире национальное содержание искусства".
     Театральный талант Пуччини проявился также в выборе и разработке либретто, к которым он относился с большим интересом, вполне понятным, если учесть значение сюжетов в его операх. Почти все сосредоточенные вокруг женского образа, эти сюжеты свидетельствуют о безупречной технике развития событий и раскрытия судеб и психологии главных действующих лиц, рядом с которыми Пуччини ставит удачных, оригинальных второстепенных персонажей. За исключением единственной великолепной оперы-буффа, «Джанни Скикки», другие его наиболее типичные произведения заканчиваются трагедией или отягощены её грузом, поскольку любовь по Пуччини обречена стать своего рода искупительным наказанием. Верный традициям реалистического искусства, Пуччини, создал бессмертные произведения, которые навсегда вошли в сокровищницу мировой музыкальной культуры и оказали заметное воздействие на развитие европейской оперы XX столетия. С фрагментами лучших опер Пуччини даёт возможность познакомиться аудиоприложение.

     Двадцать третий том коллекции посвящён Александру Сергеевичу Даргомыжскому (1813-1869). Один из наиболее заметных композиторов периода между творчеством М.И. Глинки и «Могучей кучки», Даргомыжский считается основоположником реалистического направления в русской музыке. Он наметил новые пути в оперном и камерно-вокальном жанрах, ведущие к творчеству М.П. Мусоргского (который назвал Даргомыжского «великим учителем правды в музыке»), П.И. Чайковского и других русских композиторов.
     Романсы - наиболее существенная и многогранная область творчества Даргомыжского. От ранних вокальных пьес 30-х - начала 40-х годов в духе бытового романса с их незатейливой мелодией и поэтичностью музыкальной фразы («Ночной зефир», «Я вас любил») до ярких разнохарактерных портретных зарисовок периода творческой зрелости («Червяк», «Титулярный советник », «Старый капрал») Даргомыжский совершил путь более сложный, чем его старший современник Глинка. По словам Асафьева Б., «он коснулся всех сторон поэтико-музыкальной культуры романса и песни, которые затрагивались в предшествовавшую ему эпоху и в его эпоху». Даже чувство любви в романсах композитора неизменно соседствует с ощущением внутренней боли. Даргомыжский повествует о ситуациях обыденных, заостряя внимание на острых психологических моментах - судьбе неразделённой любви («Я всё ещё его люблю»), печали о возможной нравственной гибели любимого существа («Мне грустно»). В позднем периоде творчества возрастает роль выразительности каждого слова - отсюда декламационный тип мелодики Даргомыжского, забота о каждой интонации, о малейшем оттенке речи. Появляется новый способ высказывания, обличения современной жизни - с помощью яркой комической сатиры («Мельник», «Титулярный советник») или иронии («Червяк»). «В акценте на всём, что характерно, что сильно или, наоборот, что унижено, в юморе, иронии и даже сарказме, в гротескных сопоставлениях как будто бы невинно-шутливого тона и простенькой фактуры с острой фразировкой Даргомыжский талантлив и оригинален как никто до него» (Б. Асафьев). Практически все самые известные романсы Даргомыжского представлены в аудиоприложении.
     Будучи страстным почитателем своего тёзки Пушкина А.С., Даргомыжский чаще всего в качестве литературной основы для своих произведений обращался к сочинениям великого русского поэта. Лучшие романсы Даргомыжского на стихи Пушкина обогатили жанр вокальной лирики и ещё при жизни автора стали сокровищами мировой музыкальной пушкинианы. Недаром Стасов видел в Даргомыжском композитора «необычайной новизны и мощи, который создал в своей музыке... характеры человеческие с правдивостью и глубиной истинно шекспировской и пушкинской».

     Двадцать второй том коллекции посвящён великому австрийскому композитору Йозефу Гайдну (1732-1809). Его творческий путь прдолжался около полувека и охватил все этапы развития венской классической школы - от её зарождения в 1760-х годах вплоть до расцвета творчества Бетховена в начале нового века. Интенсивность творческого процесса, богатство фантазии, свежесть восприятия, гармоничное и цельное ощущение жизни сохранились в искусстве Гайдна до самых последних лет его жизни. Гайдна справедливо считают отцом симфонии и струнного квартета, великим основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного оркестра.
     Гайдн оставил огромное творческое наследие - около 1000 произведений во всех жанрах и формах, существовавших в музыке того времени (симфонии, сонаты, камерные ансамбли, концерты, оперы, оратории, мессы, песни и т.п.). Крупные циклические формы (104 симфонии, 83 квартета, 52 клавирные сонаты) составляют основную, самую драгоценную часть творчества композитора, определяют его историческое место. Об исключительной значимости произведений Гайдна в эволюции инструментальной музыки писал Чайковский П.И.: «Гайдн обессмертил себя если не изобретением, то усовершенствованием той превосходной, идеально уравновешенной формы сонаты и симфонии, которую впоследствии Моцарт и Бетховен довели до последней степени законченности и красоты». В симфониях Гайдн не ставил перед собой задачи индивидуализировать сюжет. Программность композитора чаще всего основана на отдельных ассоциациях и изобразительных «зарисовках». Громадная ценность симфонических концепций Гайдна, при всей их сравнительной простоте и непритязательности - в очень органичном отражении и претворении единства духовного и физического мира человека. Симфония у Гайдна обретает смысл обобщенной «картины мира», в которой разные стороны жизни - серьёзные, драматические, лирико-философские, юмористические - приведены к единству и равновесию. Богатый и сложный мир гайдновских симфоний обладает замечательными качествами открытости, общительности, направленности на слушателя.

     Двадцать первый том коллекции посвящён первому великому композитору-романтику Францу Шуберту (1797-1828). Гений Шуберта вырос на почве давних музыкальных традиций Вены. Классическая школа (Гайдн, Моцарт, Бетховен), многонациональный фольклор, в котором на австро-немецкую основу накладывались влияния венгров, славян, итальянцев, наконец, особое пристрастие венцев к танцу, домашнему музицированию - всё это определяло облик творчества Шуберта. В его естественно и непринуждённо льющихся мелодиях нашли отзвук поэтическая любовь и чистая радость жизни, отчаяние и холод одиночества, томление по идеалу, жажда странствий и безысходность скитаний.
     Шуберт прожил очень короткую земную жизнь, однако его творчество поражает своим многообразием. Это и более шестисот песен для голоса и фортепиано. Шуберт был первым, кто довёл до совершенства этот синтетический жанр, где поэзия и музыка существуют в неразрывном единстве. Это и сборники пьес для фортепиано: экспромты, музыкальные моменты, бесчисленные танцевальные миниатюры. В каждой миниатюре - одно или два настроения, момент созерцательной жизни души, схваченный ухом композитора и растянутый на несколько прекрасных минут, пролетающих как одно мгновение. Это, наконец, симфонии и сонаты - их формы позаимствованы у предшественников, но при первом же взгляде на их содержание мы увидим, что подход Шуберта к этим жанрам совсем другой. Здесь есть и эпический масштаб, и мучительная борьба, но сами темы будто сошли со страниц песенных сборников или инструментальных миниатюр. И развиваются они совсем по-другому: не дробясь друг о друга и не сотрясая мощной архитектуры симфонического здания, как у Бетховена, а наоборот, повторяясь вновь и вновь, как в баховских фугах, и становясь от этого еще и еще прекраснее... Философия красоты у Шуберта везде остаётся неизменной: гётевское «остановленное мгновение» - прекрасное, продолжающее само себя, растущее позаконам более природным, нежели классически-музыкальным. Красота у Шуберта, однако, повсюду сталкивается с ожидаемой или внезапной драмой, поражающей слушателя в самое сердце - с тем, единственно, чтобы «прекрасное мгновение», остановленное искусством гения, оказавшись в нашем земном, страдальческом и тревожном мире, сделалось бы ещё ослепительнее в сравнении с ним.

     Двадцатый том коллекции посвящён сразу трём выдающимся русским композиторам - Михаилу Ивановичу Глинке (1804-1857), Модесту Петровичу Мусоргскому (1839-1881) и Анатолию Константиновичу Лядову (1855-1914).
     Одним из проявлений небывалого культурного подъёма в России в XIX веке стало бурное развитие национального музыкального искусства, которое заявило о себе целой плеядой великих талантов. В ряду видных композиторов, чьи имена непосредственно связаны со становлением форм и традиций нового музыкального выражения, наиболее весомой фигурой по праву считается Михаил Глинка. Нужно быть настоящим гением, чтобы, не имея эталонов, создать в законченном виде основные формы классических жанров - оперы, симфонических произведений, романса и камерных сочинений. Глинка буквально вывел русскую музыку из тени, обозначив её главные пути - опору на русский фольклор и глубокую реалистичность высказывания. Важнейшую роль творчества Глинки очень ёмко оценил музыкальный критик В. В. Стасов, сравнив его с А.С. Пушкиным: «Во многих отношениях Глинка имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин в русской поэзии. Оба великие таланты, оба родоначальники нового русского художественного творчества, оба глубоко национальные, черпавшие свои великие силы прямо из коренных элементов своего народа, оба создали новый русский язык - один в поэзии, другой в музыке». На музыке Глинки были воспитаны все выдающиеся русские композиторы XIX века, как первого поколения (к которому принадлежит Мусоргский), так и второго (представителем которого является Лядов). Продолжая аналогию с великими писателями, Модеста Мусоргского, для музыки которого характерно изображение сложных психологических образов, можно можно было бы сравнить с Ф.М. Достоевским, а Лядова, в позднем творчестве которого ярко проявились сказочно-фантастические мотивы, - с Н.В. Гоголем.
     О каждом из представленных композиторов можно было бы сказать очень много, и каждый из них по праву достоин отдельного тома, однако издатели компенсировали спорность своего решения о «совмещении» великолепным составом аудиоприложения, куда вошли подлинные шедевры русской классической музыки, среди которых я хотел бы особо выделить «Вальс-фантазию» молодого Глинки, «Избушку на курьих ножках» из «Картинок с выставки» Мусоргского и «Музыкальную табакерку» Лядова.

     Девятнадцатый том коллекции посвящён выдающемуся итальянскому композитору Джоаккино Россини (1792-1868), творчеством которого был ознаменован расцвет национального оперного искусства. Он сумел вдохнуть новую жизнь в традиционные для Италии виды оперы - комическую (буффа) и «серьёзную» (сериа). Особенно ярко талант Россини раскрылся в области оперы-буффа. Реалистичность жизненных зарисовок, меткость в изображении характеров, стремительность действия, мелодическое богатство и сверкающее остроумие обеспечили его произведениям огромную популярность. Композитор творил в эпоху пробуждавшейся общественной активности народа Италии, подъема борьбы за независимость. Откликаясь на эти явления, Россини ввёл в оперу героическое начало, раздвинув образно-эмоциональные рамки жанра, обогатил его выразительные средства (хор, драматический речитатив, патетические арии). В его действенно оптимистичном, демократическом по духу искусстве современники слышали голос своего бурного времени, видели выражение итальянского национального характера. Период интенсивного творчества Россини продолжался всего около двадцати лет. За это время им было создано свыше тридцати опер, многие в короткое время обошли все крупнейшие театры Европы и принесли автору всемирную славу. Россини не только возродил и реформировал итальянскую оперу, но и оказал огромное воздействие на развитие всего европейского оперного искусства позапрошлого столетия. «Божественный маэстро» - так назвал великого итальянского композитора Генрих Гейне, видевший в Россини «солнце Италии, расточающее свои звонкие лучи всему миру».
     Состав аудиоприложения позволяет получить весьма разнообразное представление о творчестве итальянского гения: в нём представлены фрагменты лучших опер Россини («Севильский цирюльник», «Золушка», «Сорока-воровка», «Семирамида», «Вильгельм Телль»), а также соната для струнных инструментов и квартет для духовых инструментов.

     Восемнадцатый том коллекции посвящён яркому представителю музыкальной культуры первой половины XX века французскому композитору Морису Равелю (1875-1937). Хотя Равеля справедливо называют композитором-импрессионистом, однако характерные черты импрессионизма проявились у него лишь в некоторых произведениях, в остальных же преобладает классическая чёткость и соразмерность структур, чистота стиля и ювелирность в отделке деталей. Творческое наследие композитора не поражает количеством произведений, объём их как правило невелик. Подобный миниатюризм связан с отточенностью высказывания, отсутствием «лишних слов». Стремление донести людям то глубоко личное, интимное, что он так не любил выражать словами, заставляло его говорить на всеобщем, естественно сложившемся и понятном языке музыки. Иногда он концентрирует своё внимание на каком-то одном - значительном, глубоком и многогранном чувстве, в других случаях с ноткой затаённой и пронзительной грусти говорит о красоте мира. Интимное и хрупкое искусство Равеля всегда удивительно человечно, оно нашло путь к людям и завоевало их искреннюю любовь.
     Перу Равеля принадлежат 2 оперы, 3 балета (в т.ч. «Дафнис и Хлоя», отрывки из которого можно послушать в аудиоприложении), произведения для оркестра (в т.ч. присутствующие в аудиоприложении «Вальс» и «Болеро»), 2 фортепианных концерта, рапсодия для скрипки «Цыганка», Квартет, Трио, сонаты (для скрипки и виолончели, скрипки и фортепиано), фортепианные сочинения (в т.ч. «Павана усопшей инфанте» (входит в состав аудиоприложения) , хоры, романсы. Парадоксально, но такой мастер, как Равель, написал всего одно концертное симфоническое произведение («Испанскую рапсодию»), все остальные партитуры, кроме двух фортепианных концертов, предназначались для театра. Самая известная работа Равеля - «Болеро» - идеально соответствует задаче сценического воплощения танца. Сам Равель называл «Болеро» «оркестровым сочинением без музыки». Композитор написал его в 1928 году по заказу знаменитой танцовщицы и импресарио российского происхождения Иды Рубинштейн. По исходному замыслу это одноактный балет. Согласно сценарию героиня, испано-цыганская красавица, танцует на столе в таверне, привлекая все новых и новых мужчин. Музыка прекращается, и занавес опускается в момент, когда всеобщее возбуждение достигает высшей точки.

     Семнадцатый том коллекции посвящён одному из самых известных немецких композиторов Роберту Шуману (1810-1856). Интеллектуал и эстет, в своей музыке Шуман, больше чем любой другой композитор, воплотил глубоко личностную природу романтизма. Творчество Шумана было своеобразной антитезой атмосфере современной ему мещанской Германии, оно звало в мир высокой человечности, воспевало красоту и силу чувства. В музыке Шуман нашла отражение главная черта его натуры - двойственность. Произведения композитора характеризуют капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей, непосредственное соприкосновение страстного порыва и погружения в мир грёз.
     Музыкальное творчество Шумана охватывает все жанры, за исключением балета, однако удельный вес каждого на протяжении всего творчества Шумана менялся. В 1830-е годы Шуман часто обращается к циклу лирических, часто контрастных миниатюр для фортепиано, позволяющих раскрыть сложную гамму психологических состояний героя, постоянное балансирование на грани реальности и вымысла. Ярким примером такого цикла является представленный в аудиоприложении цикл пьес «Крейслериана», который принадлежит к числу высших достижений композитора. «Крейслериана» напоминает о произведениях немецкого романтика Гофмана Э.А. В ней оживает облик вдохновенного музыканта Фрица Крейслера, его грёзы, мечты и видения. Крейслер, глубоко страдающий от обывательщины в жизни и искусстве, ведёт с ней мужественный поединок. Этот борец-одиночка сродни самому Шуману. Вместе с произведениями вариационного и сонатного типов у Шумана есть фортепианные циклы, построенные по принципу сюиты или альбома пьес, как, например, «Детские сцены» и «Лесные сцены» (их также можно послушать в аудиоприложении). В 1840-х годов всё большее значение в творчестве Шумана приобретают камерно-вокальные произведения (сборники и циклы романсов и песен для голоса с фортепиано на стихи поэтов-романтиков) и камерно-инструментальные произведения, в этот же период были созданы концерт для фортепиано с оркестром и 4 симфонии. Музыка Шумана оказала сильное воздействие на музыкальное искусство второй половины XIX века, её высоко ценили Ф. Мендельсон, Г. Берлиоз, Ф. Лист, П.И. Чайковский.

     Шестнадцатый том коллекции посвящён выдающемуся французскому композитору Жоржу Бизе (1838-1875). Истории известно множество примеров, когда гений остаётся непризнанным и незамеченным среди соотечественников при жизни. И лишь после смерти обнаруживается незаурядность его таланта, а слава созданных им шедевров облетает весь мир. Достаточно вспомнить Иоганна Себастьяна Баха, творчество которого получило широкую популярность спустя многие годы после их появления на свет. Драматическая судьба Жоржа Бизе в чём-то очень схожа с судьбой великого немецкого предшественника. Как и Бах, всю свою жизнь он был отягчён ремесленной, изнурительной работой - сочинял множество небольших танцевальных пьес, корректировал чужие партитуры, выполнял множество транскрипций и переложений для различных инструментов. Этот тяжёлый труд ради куска хлеба поглощал драгоценное время, подтачивал силы композитора, отрывал его от того единственно важного, что составляло цель жизни - от творчества. А оно действительно заслуживало внимания Бизе, потому что поставило его в один ряд с композиторами-новаторами, открывшими новую страницу в развитии национального искусства.
     Свою недолгую жизнь Жорж Бизе посвятил музыкальному театру. Вершина его творчества - «Кармен» - до сих пор остаётся одной из самых любимых опер для многих и многих людей. Бизе использовал сюжет новеллы Проспера Мериме, но возвысил его образы до значения поэтических символов. И при этом все они - живые люди с яркими, неповторимыми характерами. Композитор вводит в действие народные сцены с их стихийным проявлением жизненной силы, бьющей через край энергии. Цыганская красавица Кармен, тореадор Эскамильо, контрабандисты воспринимаются как часть этой свободной стихии. Создавая «портрет» главной героини, Бизе использует мелодии и ритмы хабанеры, сегидильи, поло и т.п., сумев глубоко проникнуть в дух испанской музыки. Удивительно, но автор самой «испанской» в мире оперы ни разу не был в Испании! Бессмертные страницы «Кармен» - «Хабанера» или «Куплеты Тореадора» - известны практически любому образованному человеку. Музыка Бизе по праву заняла свое место среди признанных шедевров мировой классики.

     Пятнадцатый том коллекции посвящён Александру Порфирьевичу Бородину (1833-1887), члену знаменитого Балакиревского кружка («Могучей кучки»), яркому представителю русской национальной школы в музыке. Бородин был чрезвычайно разносторонней личностью. В нём непостижимым образом уживались две страсти к таким, казалось бы, несовместимым областям - химии и музыке. Он одновременно вошё в историю и как великий композитор, и как выдающийся химик - учёный и педагог.
     Творческое наследие Бородина сравнительно невелико по объёму, но является ценнейшим вкладом в сокровищницу русской музыкальной классики. В творчестве Бородина отчётливо проходит тема величия русского народа, любви к родине, свободолюбия. Музыка его отличается эпической широтой, мужественностью, в то же время глубоким лиризмом. Как и все композиторы-«кучкисты», Бородин опирался на богатый и разносторонний русский фольклор, заимствуя из него интонационные и ритмические обороты для создания собственных уникальных тем в народном духе.
     Наиболее значительное произведение Бородина - опера «Князь Игорь», являющаяся образцом национального героического эпоса в музыке. Опера отличается монументальной цельностью образов, мощностью и размахом народных хоровых сцен, яркостью национального колорита. «Князь Игорь» развивает традиции эпической оперы Глинки «Руслан и Людмила». Бородин также является одним из создателей русских классических симфонии и квартета. Вершиной русского и мирового эпического симфонизма является его 2-я (Богатырская) симфония. Оба упомянутых произведения, а также близкая по образному строю к опере музыкальная картина для оркестра «В Средней Азии» представлены в аудиоприложении.

     Четырнадцатый том коллекции посвящён Рихарду Вагнеру (1813-1883), одному из наиболее выдающихся немецких композиторов, многогранное творчество которого оставило глубочайший след в истории европейского музыкального искусства. Вагнер был не только великим композитором, но и поэтом, драматургом - автором либретто всех своих опер, крупнейшим дирижёром своего времени, наряду с Берлиозом - одним из основоположников нового дирижёрского искусства; музыкальным критиком и публицистом, энергично отстаивавшим свои художественные убеждения, теоретиком своего искусства и в многочисленных литературных работах углублялся в философские и социальные вопросы, ставя их в тесную связь со своими художественными задачами.
     Вагнер - без преувеличения - подчинил своей воле едва ли не всю европейскую духовную жизнь второй половины XIX столетия. Влияние его искусства не ослабевало на протяжении нескольких десятилетий после его смерти. Личность и творчество Вагнера вызывали обожание или ненависть, но даже самые убеждённые противники Вагнера не отрицали его величия. Пожалуй, наиболее взвешенную позицию занимали те, которые, полностью оценивая художественное значение вагнеровской музыки, не поддались вагнерианскому гипнозу, а видели идейно-художественные противоречия Вагнера и подвергали критике его заблуждения в мировоззрении и творчестве, - как, например, Чаковский П.И., который писал: «…Восхищаясь композитором, я питаю мало симпатии к тому, что является культом вагнеровских теорий. Как композитор, Вагнер несомненно одна из самых замечательных личностей во второй половине этого столетия, и его влияние на музыку огромно. Он был одарён большой силой музыкального воображения, он открыл новые формы своего искусства; он нашёл пути, неизвестные до него; он был, можно сказать, гением, стоящим в германской музыке наряду с Моцартом, Бетховеном, Шубертом и Шуманом…».
     Вагнер является реформатором оперы. До него опера представляла собой, можно сказать сборник концертных номеров со связками. Вагнер отказался от традиций оперных форм. Он старался приблизить оперу к жизни и превратил её в единое действо, музыкальную драму. После Вагнера симфонический оркестр - такой же полноценный член команды, как и хор, и солист. В его музыкальных драмах вокальная партия подавляется оркестровой, становится одним из инструментов симфонического оркестра. Внешнее действие сведено к минимуму, оно как бы перенесено в психологическую сторону, которую олицетворяет оркестр с помощью огромной системы лейтмотивов (когда каждому персонажу соответствует своя музыка). Большинство из 13 опер Вагнера написано по сказочным сюжетом, которые словно передают музыке часть своего волшебства, лучшие произведения Вагнера увлекают вдохновенной страстностью выражения и буквально зачаровывают слушателя. «Надо быть глухим ко всякой красоте музыкальной, - писал Серов А.Н., - чтобы, кроме блестящей и богатейшей палитры оркестра, не чувствовать в его музыке дыхания чего-то нового в искусстве, чего-то поэтически уносящего вдаль, открывающего безвестные необъятные горизонты». Наполненная силой и энергией музыка Вагнера по художественной силе и выразительности имеет поистине непреходящее значение. С фрагментами лучших опер Вагнера даёт возможность познакомиться аудиоприложение.

     В течение своей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, меняя место работы. Почти каждый раз причина оказывалась одна и та же - неудовлетворительные условия работы, унизительное, зависимое положение. Но как бы ни была неблагоприятна обстановка, Бах, жертвуя многим, никогда не поступался главным - своими художественными убеждениями. Прекрасно изучив музыку композиторов других стран, он не стал им слепо подражать. Обширные и глубокие знания помогали ему совершенствовать и отшлифовывать своё композиторское мастерство, создавая произведения, поразительные по своему глубокому содержанию и внутреннему богатству. Бах писал музыку для разных инструментов, как духовную, так и светскую. Его наследие охватывает практически все музыкальные жанры (кроме оперы). Однако талант Себастьяна Баха не ограничивался композиторским творчеством. Он был лучшим среди своих современников исполнителем на органе и клавесине. И если как композитор Бах при жизни не получил признания, то в импровизациях за органом его мастерство было непревзойдённым.
     В творчестве Баха можно выделить 3 основные периода. Будучи придворным музыкантом и городским органистом в Веймаре, композитор создал свои лучшие органные сочинения. Среди них выделяется известнейшая Токката и фуга ре минор, представленная в аудиоприложении. Работая в Кётене, Бах писал, главным образом, клавирную и оркестровую музыку. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «Хорошо темперированный клавир» - первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже XVII-XVIII веков темперированного строя. В этот же период написаны и знаменитые Бранденбургские концерты, с фрагментами которых можно познакомиться в аудиоприложении. Из Кётена Бах переехал в Лейпциг, где были созданы его лучшие вокально-инструментальные композиции: большая часть кантат (всего Бахом написано около 250 кантат), «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», Месса си минор. Эти произведения представляют собою третью, самую высокую вершину творчества композитора.

     О композиторе Мендельсоне слышали даже те, кто очень далёк от музыки: для миллионов людей его имя неразрывно связано со знаменитым «Свадебным маршем». Однако в историю мировой музыки Мендельсон вошёл не только благодаря этому своему знаменитому произведению. Он - один из крупнейших представителей немецкого романтизма, тесно связанный с классическими традициями, но искавший новый тип выразительности. Стиль композитора отличают филигранная техника, красота и грациозность, ясность изложения. За светлый и жизнерадостный характер музыки Шуман назвал Мендельсона «Моцартом XIX века». В течение своей недолгой жизни создал выдающиеся произведения почти во всех основных музыкальных жанрах. Особенно выделяются в его творчестве две грандиозные симфонии - «Итальянская» и «Шотландская», великолепные рождественские гимны, струнные квартеты и трио - одни из самых любимых в мире, изысканный цикл фортепианных пьес «Песни для слов», изумительно красивый концерт для скрипки ми-минор (его можно послушать в аудиоприложении). Один из создателей романтического симфонизма, Мендельсон обогатил его жанром программной концертной увертюры. Велики заслуги Мендельсона и в качестве дирижёра: по его инициативе и под его управлением впервые после долгого перерыва были исполнены «Страсти по Матфею» Иоганна-Себастьяна Баха, послужившие началом возрождения баховской вокальной музыки в XIX веке. Мендельсон положил начало лейпцигской композиторской школе. В 1843 в Лейпциге по его инициативе была открыта первая в Германии консерватория, получившая большую известность в стране и за её пределами.

     Перу Верди принадлежат духовные и инструментальные произведения, романсы, но самую значительную часть творческого наследия композитора составляют оперы (всего их 26), многие из которых - «Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло», «Фальстаф», «Дон Карлос» и другие - стали жемчужинами мировой оперной классики. В прошлом часто пренебрежительно упоминаемые критиками за потакание вкусам простых людей, упрощённую полифонию и «бесстыдное мелодраматизирование», шедевры Верди являются основой традиционного оперного репертуара и через полтора столетия после их написания. Некоторые мелодии из опер Верди всемирно известны, а на родине композитора поются, как народные песни. Верди не провозглашал свои творческие принципы в программных выступлениях в печати, не связывал своё творчество с утверждением эстетики определённого художественного направления. Тем не менее его долгий, трудный, не всегда стремительный и увенчанный победами творческий путь был направлен к глубоко выстраданной и осознанной цели - достижению музыкального реализма в оперном спектакле. Жизнь во всём многообразии конфликтов - такова всеобъемлющая тема творчества композитора. Диапазон её воплощения был необычайно широк - от конфликтов социальных до противоборства чувств в душе одного человека. Вместе с тем искусство Верди несёт в себе ощущение особой красоты и гармонии. «Мне нравится в искусстве всё, что прекрасно», - говорил композитор. Образцом прекрасного, искреннего и вдохновенного искусства стала и его собственная музыка.

     Убежденный последователь классики (в его музыке нашли претворение традиции Глинки, Чайковского, Баха, Бетховена), Танеев стремился творчески переосмыслить европейскую музыкальную традицию на родной русской почве. Ему удалось найти свой собственный путь, синтезирующий романтический лиризм и классицистскую строгость выражения. Это сочетание очень существенно для стиля композитора. После окончания Московской консерватории Танеев навсегда связал свою жизнь с Москвой и её музыкальной жизнью. За принципиальность характера и прямоту высказываний, а также безупречность композиторского стиля его называли «совестью музыкальной Москвы». Большое историческое значение имела педагогическая деятельность Танеева («мирового учителя» по определению Глазунова А.К.). Танеев создал композиторскую школу, а также воспитал много музыковедов, дирижёров, пианистов. Среди его учеников - Рахманинов С.В., Скрябин А.Н., Метнер Н.К., Глиэр Р.М.
     Сергей Танеев из тех композиторов, чья музыка на слуху, но не опознаётся именно как танеевская. Во времена экономического кризиса интересным открытием может стать благотворное терапевтическое воздействие тёплой, мягкой и комфортной музыки композитора, помогающей преодолеть чувство тревоги и обрести душевное равновесие. Одной из первой этот «антикризисный» эффект обнаружила жена Льва Толстого Софья Андреевна, которой музыка Танеева помогла выйти из тяжелейшей депрессии. «Я осталась жива и обязана этим странному средству - музыке, - писала она в дневнике. - Лучше всех действовала музыка Танеева…».

     Шопен - один из немногих композиторов, сочинявших практически только для фортепиано. Он не оставил ни одной оперы, ни одной симфонии или увертюры, но его многочисленные фортепианные пьесы в самых разных формах - мазурки, полонезы, баллады, ноктюрны, этюды, скерцо, вальсы и прочее – это всеми признанные шедевры. Шопен был настоящим новатором, часто отходившим от классических правил и норм. Он создал новый гармонический язык и открыл формы, призванные вместить в себя новое, романтическое содержание. Художественный мир Шопена отличается универсализмом: глубочайшая психологичность и сокровенный лиризм сочетаются с постоянным ощущением объективной жизненной реальности, тонкость в передаче отдельных настроений - с крупным рельефом драматического развития, мечтательная созерцательность - с активной действенностью. Характерная особенность его музыкального языка - новаторский синтез. Композитор-романтик, Шопен в своих сочинениях развивал принципы бетховенского симфонического метода, а также (в миниатюрах) баховских импровизационных форм. В то же время его произведения отличает моцартовское совершенство пропорций. Его эмоционально насыщенные, исполненные нежности и грусти, страсти и отчаяния сочинения не спутать ни с чьими. Недаром Ференц Лист испытывал, по его словам, «чувство восхищения, трепета, робости, которое охватывает сердце вблизи сверхъестественных существ, кого не можешь разгадать, понять, обнять...» .
     Исполнение шопеновской музыки не претерпело значительных стилистических изменений со времени её создания. Виртуозная техника и проникновенный лиризм, главные составляющие шопеновской музыки, сделали композитора любимейшим автором подавляющего большинства пианистов мира. Особенно здесь стоит выделить имена выдающихся российских «шопенистов» - Эмиля Гилельса, Белы Давидович и Якова Флиера. Познакомиться с избранными вальсами и полонезами Шопена в исполнении этих и других исполнителей даёт возможность аудиоприложение.

     Являясь (вслед за Бедржихом Сметаной) основоположником чешcкой национальной музыкальной классики, Дворжак раскрыл всему миру обаяние и красоту мелодий своей родины. Яркое национальное своеобразие, эмоциональное богатство и высокое мастерство сочетаются в творчестве Дворжака с жанровым многообразием: он является автором 10 опер, 9 симфоний, 5 симфонических поэм, 3 сольных инструментальных концертов, 6 увертюр, а также рапсодий, танцев, струнных и фортепьянных квартетов, квинтетов и многих других произведений. Произведения композитора разных жанров (от опер и симфоний до песен и небольших инструментальных пьес) характеризуются простым и ясным языком, музыкальной стройностью формы, основаны на органичном претворении типичных особенностей чешского народно-песенного творчества и привлекают жизнерадостностью, тёплым лиризмом, юмором. Его музыка отличается исключительным мелодическим богатством, разнообразием ритма и гармонии, красочностью инструментовки.
     Наиболее значительный вклад в мировую музыкальную культуру Дворжак внёс своими инструментальными и симфоническими сочинениями. Тесная связь с мелодическим началом и ритмом чешской народной песни особенно ярко проявилась в обработках народных славянских (чешских, словацких, сербских, польских, украинских) танцев - «Славянские танцы» (для оркестра и для фортепианного дуэта), в которых отразилось интонационно-ритмическое своеобразие музыкального творчества славянских народов. Вместе с двумя славянскими танцами основу аудиоприложения составили фрагменты из последней, наиболее зрелой, героико-драматической Симфонии № 9 «Из Нового Света», написанной Дворжаком в Америке, где композитор на протяжении ряда лет руководил Нью-Йоркской консерваторией. Симфония навеяна постоянными мыслями композитора о далёкой Чехии и размышлениями о культуре народов Нового Света, в ней использованы некоторые негритянские и индейские мелодические и ритмические обороты в сочетании с элементами славянской, чешской песенности.

     Бетховен - ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее уважаемых и исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, балет, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Но самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии.
     Одним из самых любимых жанров Бетховена являлись сонаты. В 32 сонатах полней всего отразилась его творческая эволюция, его неистощимая изобретательность в использовании художественных возможностей крупного инструментального цикла. Бесспорно, самым известным и популярным произведением Бетховена является «Лунная соната», давшая название прилагаемому аудиодиску. Лирико-драматическая сущность «Лунной сонаты» характерна для первого периода творчества Бетховена. Биографы связывают написание этого шедевра с любовью композитора к его ученице Джульетте Гвичарди. Однако содержание сонаты настолько выходит за пределы личного переживания, что любовное чувство могло быть лишь поводом к написанию этого произведения, предвосхищающего позднейшее творчество лучших композиторов-романтиков. Первую часть «Лунной сонаты» было бы справедливо назвать первым ноктюрном XIX века. Два других представленных в аудиоприложении произведения - Пятая симфония и Увертюра к пьесе «Кориолан» относятся ко второму, зрелому периоду в творчестве Бетховена, когда в его музыке преобладала героико-драматическая тематика. В этих произведениях наиболее концентрированно изложена излюбленная Бетховеном концепция «от мрака к свету» - через драматизм борьбы к ликующим фанфарам освобождения.

     Имя Римского-Корсакова запечатлено на страницах русской истории не только как выдающегося композитора, создателя большого количества разножанровых произведений, но и крупного теоретика, составившего ряд трудов по теории музыки и оркестровке, замечательного педагога, воспитавшего новую плеяду музыкантов, дирижёра-пропагандиста русской музыки, редактора многих произведений друзей-современников, собирателя русского фольклора. Он является автором 15 опер, 3 симфоний, симфонических произведений, инструментальных концертов, кантат, камерно-инструментальной, вокальной и духовной музыки. Римский-Корсаков был самым молодым членом «Могучей кучки» - содружества пяти русских композиторов - Балакирева, Мусоргского, Бородина, Кюи и самого Римского-Корсакова - чьими задачами были создание самобытной русской музыки, возрождение русского песенного фольклора, борьба за демократизацию искусства.
     Круг тем и сюжетов, воплощённых Римским-Корсаковым, широк и многообразен. Как и все «кучкисты», композитор обращался к русской истории, картинам народной жизни, образам Востока, он также затронул область бытовой драмы и лирико-психологическую сферу. Но с наибольшей полнотой дарование Римского-Корсакова выявилось в симфонических фресках, произведениях, связанных с миром фантастики и разнообразными формами народного творчества. Сказка, легенда, былина, миф, обряд определяют не только тематику, но и идейный смысл большинства его сочинений. Вершинными творениями Римского-Корсакова в области симфонической музыки стали представленные в аудиоприложении цикл зарисовок народной жизни Испании «Испанское каприччио» (1887) и сюита по мотивам арабских сказкок «Шехеразада» (1888). В настоящее время «Испанское каприччио» и «Шехерезада» являются одними из наиболее популярных русских симфонических произведений и входят в концертный репертуар почти каждого симфонического оркестра.

     Григ относится к тем художникам, роль которых оказалась решающей для развития национальной культуры. Начав творческую жизнь в маленькой «провинциальной» стране, композитор силой своего гения возвысил норвежскую музыку до вершин мировой классики. Стиль Грига отмечен яркой индивидуальностью и национальной характерностью. С первых шагов творческой жизни он стремился овладеть «родной речью» норвежской музыки. Страстно любивший родную природу, Григ совершает длительные поездки в горы, слушает игру народных скрипачей, подолгу живёт в деревенской глуши среди крестьян, рыбаков, лесорубов. Подлинно народный художник, он впервые творчески переработал и обобщил коренные черты музукального фольклора Норвегии. Кредо Грига высказано им в словах: «Я черпал богатые сокровища в народных напевах моей родины и из этого до сих пор неисследованного источника норвежской народной души пытался создать национальное искусство». Поэзия норвежской природы, глубокое проникновение в дух и строй народной музыки отразились в лучших произведениях Грига, в частности, в музыке к драме Генрика Ибсена «Пер Гюнт». Огромным завоеванием Грига явился концерт для фортепиано с оркестром - первое крупное сочинение, доставившее композитору мировую известность. Оба эти произведения представлены в аудиоприложении.

     В первой трети XIX века в европейском искусстве возникло новое направление, получившее название романтизма. Одним из принципов романтиков был уход от действительности и поиск новых путей к освобождению личности. Философов, композиторов, художников этого времени начинает глубоко интересовать повседневная жизнь и быт простого народа. Как следствие, в их творчество проникают народные мотивы и жанры. Особую популярность в это время приобретает такой доступный широким слоям населения жанр танцевальной музыки, как вальс. Вальс привлекает внимание композиторов-романтиков - Шуберта, Вебера, Шумана и Шопена, Листа и Берлиоза. Но настоящего расцвета этот жанр достигает в творчестве Ланнера, Штрауса-отца и его сыновей.
     С середины 30-х годов XIX венский вальс начинает стремительно распространяться за пределами Австрии, и немалую роль в этом сыграл оркестр Иоганна Штрауса, гастролирующий по Германии, Франции, Англии и другим европейским странам. Когда в семье Штрауса родился первый сын - Иоганн, отец, являющийся одним из создателей венского вальса, вряд ли мог предположить, что породил конкурента, который затмит его славу. Штраус-отец решил, что дети не смогут повторить его успех блестящего скрипача, дирижера, композитора, поэтому хотел посвятить сыновей карьере, далёкой от музыки. Однако судьба распорядилась иначе. Вопреки воле отца все братья Штраусы - Иоганн, Йозеф и Эдуард - стали замечательными композиторами, прославившими венский вальс и австрийскую музыку. Особый успех выпал на долю Иоганна Штрауса-младшего. Он развил старую форму венского вальса, расширяя её разделы. И если мелодии Штрауса-старшего были инструментального происхождения, то Иоганн-младший придал певучесть своим темам. В период расцвета его творческого гения были написаны знаменитые вальсы, такие как «На прекрасном голубом Дунае», «Жизнь артиста», «Сказки венского леса», ставшие известными и любимыми во всём мире.

     Моцарт был не просто композитором. Он был гением: в четыре года он свободно импоровизировал, в пять лет написал концерт для клавесина, в двенадцать - первую оперу. Необычайная одарённость принесла ему триумфальную славу ещё в ранние годы жизни. Музыку Моцарта характеризуют лёгкость, изящество, ясность, простота, виртуозный блеск. Не было практически ни одного жанра того времени, в котором бы он не творил: за тридцать лет Моцарт успел сочинить 626 произведений, в числе которых 22 оперы, 41 симфония, 27 концертов для фортепиано, 7 скрипичных концертов, 19 месс, Реквием. Поистине всемирную славу творчество Моцарта снискало уже после смерти композитора. Его безмерный талант, исключительная одарённость стали символом проявления высших творческих сил, воплотившихся в глубоко жизненных произведениях-шедеврах.
     В аудиоприложении представлены: Маленькая ночная серенада (Eine Kleine Nachtmusic), K. 525 в исполнении Венского филармонического оркестра под управлением Вильгельма Фуртвенглера; Увертюра к опере «Свадьба Фигаро» в исполнении Симфонического оркестра Ленинградской филармонии под управлением Евгения Мравинского; Увертюра к опере «Волшебная флейта» в исполнении Академического симфонического оркестра Новосибирской филармонии под управлением Арнольда Каца; а также Симфония № 40 соль-минор, K. 550 в исполнении Оркестра Государственного академического Большого театра под управлением Эри Класса.

     Среди русских композиторов-классиков XIX столетия нет, пожалуй, другого такого, который бы пользовался столь же широкой популярностью, как Чайковский. Его музыка завоевала любовь многих слушателей во всем мире ещё при его жизни. Чайковский оставил обширное наследие практически во всех музыкальных жанрах (в том числе 10 опер, 3 балета, 6 симфоний, 104 романса). И по сей день он остаётся самым исполняемым и известным в мире русским композитором, выразившим с необычайной силой, простотой и искренностью эмоционально-напряженную лирическую стихию русской природы и русской души.
     Сила Чайковского - в его исключительной доступности. Композитор не боялся быть искренним как сам с собою, так и со слушателями. И выражал свои мысли на языке, который должен был быть доступен любому слушателю его эпохи. Захватывающие лирические и драматические мелодии симфоний, опер, балетов композитора восходят к языку бытовой музыки его времени - городской песне, сентиментальному салонному романсу, танцевальным миниатюрам, коренившимся в быту современников Чайковского. Однако эти простые, часто не в меру сентиментальные, но очень характерные интонации он возвёл на недосягаемую высоту технического и выразительного совершенства.
     В аудиоприложении представлены жемчужины творчества композитора - сюиты из балетов «Лебединое озеро» и «Щелкунчик» в исполнении Государственного академического симфонического оркестра СССР под управлением Евгения Светланова.

     Вивальди считается создателем жанра сольного инструментального концерта и наряду с Арканджело Корелли - кончерто гроссо (concerto grosso) - музыкального инструментального жанра, основаннного на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей и группы солистов. Творческое наследие Вивальди составляют свыше 40 опер, кантаты, оратории, более 400 инструментальных концертов различных составов. Инструментальные концерты Вивальди стали этапом на пути формирования классической симфонии. Одно из самых известных произведений Вивальди - представленный в аудиоприложении цикл из 4 скрипичных концертов «Времена года» - ранний образец программной симфонической музыки.
     Цикл «Времена года» в аудиоприложении представлен в исполнении скрипача Михаила Ваймана в сопровождении Камерного оркестра Ленинградской филармонии под художественным руководством Льва Шиндера.